Верность себе
«Художник — это человек, который пишет то, что можно продать. а хороший художник — это человек, который продает то, что пишет», — гордо заявлял Пабло Пикассо. Время показало, что он не ошибался, ведь на сегодняшний день испанский живописец официально признан самым дорогим художником в мире. За последние несколько лет объем только официальных продаж его картин составил 2б2 миллиона долларов. вместе с тем творчество великого мастера и по сей день вызывает бурные споры. одни презрительно называют его полотна примитивной бессмыслицей, другие преклоняются перед дерзким гением, давшим толчок дальнейшему развитию живописи в XX веке.
Всю жизнь Пикассо без устали творил, изобретал, экспериментировал, заставляя людей смотреть на окружающий мир его глазами.
Рисовать он начал раньше, чем говорить
Знаменитый художник, график, скульптор, керамист и дизайнер Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, в семье Марии Пикассо-и-Лопес и Хосе Руиса-и-Бласко. Старинный испанский род его отца восходит к концу XV века. В числе предков Пикассо были архиепископ Лимы и вице-король Перу, и даже один монах-отшельник.
Роды у доньи Марии протекали тяжело, и младенец оказался настолько слаб, что повитуха посчитала его мертворожденным. В ту самую минуту, когда она собиралась сообщить несчастной матери, что ее ребенок мертв, в комнату с сигарой в руках вошел дон Сальвадор, дядя новорожденного. Смерив бездыханного младенца равнодушным взглядом, он пустил ему струю дыма прямо в лицо. Малыш скривился и к радости всех присутствующих пронзительно закричал.
Полное имя мальчика, данное ему при крещении, выглядело весьма внушительно: Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария делос Ремедиос Сиприано дела Сантисима Тринидад Мартир Патриота Руис-и-Пикассо. По испанской традиции оно было составлено из имен родственников и почитаемых в семье святых. Впоследствии художник оставил себе всего одно имя — Пабло, присовокупив к нему первую фамилию матери, поскольку отцовскую счел недостаточно звучной.
Художественный талант достался Пабло от отца, живописца и преподавателя школы изобразительных искусств. В восемь лет юный художник написал «Желтого пикадора», первую свою картину маслом. Его мать уже тогда верила, что сына ждут великие свершения, и часто повторяла: «Если ты будешь солдатом — то дослужишься до генерала, а если монахом — то станешь папой».
Примечательно, что детские рисунки Пикассо выглядят «взрослыми» и профессиональными, в отличие от более поздних работ, в которых ощущается трогательная детскость. Уже признанным мастером, в возрасте шестидесяти пяти лет Пикассо, побывав на выставке детских рисунков, признался: «Когда мне было столько лет, сколько этим детям, я умел рисовать как Рафаэль. Потребовались долгие годы, чтобы я научился рисовать так, как эти дети».
В 1891 году Хосе Руис вместе с женой, сыном и двумя младшими дочерьми переехал в маленький городок Ла-Корунья на севере Испании, где получил место преподавателя школы искусств. В эту же школу поступил и Пабло, проучившись в ней четыре года, после чего семья перебралась в Барселону.
Успехи Пабло поражали взрослых. В тринадцать лет он рисовал лучше отца, поэтому на семейном совете постановили отдать мальчика в барселонскую школу изящных искусств «Ла Лонха». Несмотря на то что Пабло было всего четырнадцать — слишком юный возраст для студента школы, — его приняли, сделав исключение ввиду несомненного таланта. Экзаменационная работа Пикассо вызвала восхищение у всех преподавателей школы. Более того, он написал ее за неделю, хотя по условиям приема мог работать целый месяц.
Правда, в общеобразовательных дисциплинах Пабло не блистал и всю жизнь путался, пытаясь воспроизвести алфавит по порядку.
В начале пути
Барселона, как и все портовые города, отличалась пестротой и смешением стилей. Современники говорили: «Она не знает, что такое хороший вкус. Дурной же вкус утверждает себя здесь весьма агрессивным образом». Пикассо был подростком, когда его семья перебралась в столицу Каталонии, но почти сразу почувствовал, что этот город никогда не станет ему близким по духу. Позже, случайно обнаружив один из пейзажей той поры, он даже содрогнулся: «Ох, этот период, я его ненавижу. То, что я делал раньше, было намного лучше». И все же именно в Барселоне Пабло познал вкус к самостоятельности. Родители сняли ему отдельную мастерскую, и юный художник проводил в ней почти все свое время.
Влияние отца на его творчество в те годы было по-прежнему слишком велико. Тем не менее первые большие академические работы Пикассо, выполненные в традиционной консервативно-реалистической манере, позволили ему громко заявить о себе в художественном мире. Его картина «Первое причастие» была принята весной 1896 года на муниципальную выставку в Барселоне, после чего Пикассо получил заказ на несколько картин религиозного содержания для женского монастыря. А небольшая картина «Две утки», отправленная на выставку в Малагу, получила первую премию.
Провинциальная Барселона угнетала художника — он мечтал о столице и ее богемном обществе. В 1898 году с благословения отца Пабло отправился в Мадрид и поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Но уже через полгода, поняв, что не научится здесь ничему новому, не утруждал себя прилежным посещением занятий, а самостоятельно изучал живопись великих испанцев в музеях, писал копии их картин и свои работы в стиле старых мастеров, не забывая при этом развлекаться с веселой компанией в местных ресторанах и борделях.
Возвратившись в Барселону, восемнадцатилетний Пикассо проникся новыми идеями и вошел в группу авангардных художников, музыкантов и литераторов — завсегдатаев кабаре-ресторана «Четыре кота» (аналог богемного парижского заведения «Черный кот»), где встретил своих единомышленников и друзей — Карлоса Касагемаса и Хайме Сабартеса. Там же состоялась и первая персональная выставка его работ, написанных под влиянием импрессионистов.
Вскоре Пабло с Карлосом отправились штурмовать Париж — столицу современного искусства. Посетив Всемирную парижскую выставку 1900 года, Пикассо был покорен полотнами Дега, Ван Гога, Сезанна, Домье и Тулуз-Лотрека. В дальнейшем их творчество отразится в его собственных картинах, как уже было с испанскими художниками, такими как Гойя, Веласкес и Эль Греко. Любитель женщин и боя быков, Пикассо черпал вдохновение и в своих пристрастиях — не случайно эротизм, порой довольно жесткий, и тема корриды присутствовали в его работах от юности до глубокой старости.
Прибывший во Францию без каких-либо связей и даже без знания языка, Пикассо, казалось, не мог надеяться на скорое признание у местного пресыщенного бомонда. Помог случай. Обитатели «гетто» — колонии молодых каталонских художников на Монмартре, где поселились Пабло и Карлос, — познакомили его с осевшим в Париже сыном богатого барселонского промышленника Педро Маньячем, который торговал произведениями искусства. А тот в свою очередь представил его
владелице небольшой художественной галереи Берте Вейль, непривлекательной особе средних лет в очках с толстыми линзами, обладавшей завидной способностью мгновенно распознавать молодые таланты (она открыла, например, Модильяни). «Матушка Берта», как нежно звали ее художники, и стала первым покупателем картин Пикассо, заплатив за три его полотна с боями быков сто франков. Так начались их долгие деловые отношения.
В скором времени молодой художник освоился в парижских богемных кругах, его друзьями стали поэты Гийом Аполлинер и Макс Жакоб, а также Амбруаз Воллар — одна из самых заметных фигур на рынке современного искусства начала XX века, коллекционер и издатель, владелец знаменитой галереи на улице Лафит.
Несмотря на любовь к шумным пирушкам и очаровательным натурщицам Пабло ежедневно находил время для своих картин, впечатляя друзей работоспособностью и плодовитостью. На протяжении жизни художник создал около двадцати (по некоторым данным — все восемьдесят) тысяч полотен. «Дайте мне музей, и я заполню его», — горделиво заявлял Пикассо.
«Голубой» и «розовый» периоды
Педро Маньяч, имевший коммерческое чутье, таким же разглядел большие задатки Пабло и пообещал ему ежемесячную ренту в сто пятьдесят франков. Этой суммы вполне хватало, чтобы не зависеть от родителей, но, получив постоянный источник дохода, Пикассо предпочел вернуться в Испанию. Сначала он жил в Барселоне, а после перебрался в Мадрид, где получил письмо от Маньяча с хорошим известием: Амбруаз Воллар согласился взять на себя организацию выставки художника. «Поэтому, пожалуйста, работай напряженно…» — напутствовал его Маньяч.
Первая персональная выставка Пикассо в Париже открылась 23 июня 1901 года в небольшом зале галереи Воллара, где едва разместились шестьдесят четыре картины художника, написанные за несколько недель напряженного труда. Публика встретила их довольно благожелательно, и почти половина полотен, пусть за невысокую плату, была продана. Воллар, оценивший незаурядный талант Пабло, даже увидел в нем соперника Тулуз-Лотреку — излюбленными сюжетами обоих были сцены непарадной городской жизни: неприглядный мир ночного Монмартра, нищие и обездоленные на улицах Парижа.
Картины Пикассо 1901-1904 годов, написанные в основном в Барселоне, отличаются холодным, мрачным колоритом с преобладанием оттенков синего и зеленого («Любительница абсента», «Старый еврей с мальчиком»). Впоследствии искусствоведы назовут этот период «голубым». Возможно, на Пабло повлияло творчество каталонских художников и лунный свет, столь часто встречающийся в их живописи. Принято также считать, что преобладание голубых оттенков связано с бедностью художника, вынужденного экономить на красках и не имеющего средств на аренду мастерской с хорошим освещением. С полотен Пикассо тех лет исчезают классическая перспектива и реалистичные трехмерные изображения.
Эти картины пронизаны грустью, унынием и меланхолией, чему было и свое объяснение: лучший друг Пабло — Карлос Касса-гемас покончил с собой, застрелившись из-за несчастной любви. Погруженный в отчаяние, предаваясь мыслям о безысходности и смерти, Пикассо переживал глубокую депрессию, что отразилось и в его работах.
Стесненный в средствах, Пабло нередко использовал в качестве холста одну из своих прежних картин, рисуя поверх нее новую. Впрочем, друзья прекрасно знали, что если Пикассо настигло вдохновение, он мог начать рисовать где угодно, будь то дверное полотно, книга, столешница, чужая или собственная работа. Именно так на свет появилась картина «Жизнь», где перед зрителями вновь, после двух работ под названием «Смерть Каса-гемаса», предстает образ погибшего друга художника.
Как ни велики были скорбь и уныние Пикассо, молодость и жажда жизни взяли верх. В 1904 году художник решил окончательно перебраться в Париж. Новые впечатления и радость перемен отчетливо видны в картинах, относящихся к так называемому «розовому» периоду 1904-1906 годов. В них преобладают жизнерадостные розовые и охристые тона, фигуры вновь обретают объем, образы оживляются. Пикассо в это время увлекался цирком Медрано, а потому часто изображал арлекинов, акробатов и гимнастов (самая знаменитая картина из этой серии — «Девочка на шаре»). Не меньшее внимание художник уделял обнаженной натуре, выписывая ее необычайно мягко и нежно. В 1905 году лучшие работы «розового» периода зрители смогли увидеть на очередной персональной выставке Пикассо в галерее Серюрье.
Вдохновительницей художника и его главной моделью в эти годы становится красавица Фернанда Оливье, с которой Пикассо познакомился в Бато-Лавуаре, общежитии художников на Монмартре. Их бурный роман продлился целых семь лет. Сначала молодые люди жили в том же общежитии, а затем в маленькой квартирке на бульваре Клиши, которую делили с собакой, семейством белых мышей, тремя сиамскими котами и ручной обезьянкой.
Африканские мотивы. Кубизм
Работая с Фернандой, Пикассо провел первые эксперименты по искажению пространства и пропорций. А весной 1907 года, побывав на этнографической выставке в музее Трокадеро, он открыл для себя архаичное искусство Африки и буквально влюбился в него, ощущая потребность изменить под напором его обаяния и свой собственный метод творчества. Магнетизм туземных скульптурок и масок, их простые формы, освобожденные от частностей, подтолкнули художника к отказу от портретного сходства персонажей в пользу создания неких собирательных образов. Особый интерес возник у Пикассо и к скульптуре.
К концу 1906 года Пикассо находился в эпицентре парижского авангарда. Спрос на его картины, отличающиеся бескомпромиссностью и своеобразием художественных приемов, рос с каждым днем. В 1907-м, войдя в свой короткий «африканский» период, художник увлеченно писал «Авиньонских девиц» — работу, которую уже в те времена специалисты назвали ключом к развитию современного искусства. Картина повергала современников в шок искаженными пропорциями человеческих тел и лицами-масками. Но Пикассо игнорировал все нападки, продолжая идти по собственному пути. Шестьдесят портретов Фернанды Оливье, выполненных им в различных техниках и материалах в течение 1909 года, стали подходом к раннему (аналитическому) кубизму.
Главная особенность этого направления — подчеркнуто условная манера изображения реальных объектов с использованием примитивных геометрических фигур. Пикассо говорил: «Кубизм никогда не был чем-то иным, кроме живописи ради самой живописи, в которой исключаются все понятия несущественной действительности. Цвет играет роль только постольку, поскольку он помогает изображать объемы». Теперь картины Пикассо, а также его друзей-художников Жоржа Брака и Хуана Гриса, далекие от отображения предметного мира и заключающие в себе образ внутреннего мира творца, все больше напоминали головоломные ребусы. На смену перспективе приходит «кубистическая тайнопись»: в зашифрованном виде изображаются имена возлюбленных, телефонные номера, адреса.
В следующий период, названный синтетическим кубизмом, разъятую на части форму стали собирать в новую декоративную композицию методами коллажа и аппликации. В этой технике написаны картины, посвященные новой возлюбленной Пикассо — Марсель Умбер (Еве Гуэль).
Она была моложе художника на четыре года и чем-то напоминала Пабло его младшую сестру Консепсьон, умершую от дифтерии еще в Ла-Корунье. К болезненной, тонкой и хрупкой Марсель Пабло относился с трогательной заботой, а Фернанда Оливье была окончательно забыта. Десятилетия спустя, в 1933 году, бывшая натурщица попытается привлечь к себе внимание художника, а заодно и общественности, выпустив скандальные воспоминания. Однако книга не принесет Фернанде ни денег, ни славы. Как и не вернет Пикассо.
«Классический» период. Русский балет
Размеренную жизнь, полную творческих экспериментов и любовных утех, прервала Первая мировая война. Многие друзья Пабло были мобилизованы или добровольно записались во французский Иностранный легион. Пикассо же считал, что война — это занятие для солдат, но не для художников.
В 1915 году его возлюбленная Ева умерла от туберкулеза, и Пикассо долго не мог смириться с утратой. От тоски художника спас новый союз, на этот раз творческий, театральный. Он принял предложение Сергея Дягилева отправиться в поездку по Италии в качестве художника-оформителя балета «Парад», созданного на стихи Жана Кокто с музыкой Эрика Сати. Как театральный художник и сценограф Пикассо оказался великолепен, однако сам балет публика приняла плохо. Зато Пабло блаженствовал в настоящем цветнике: «У меня шестьдесят балерин. Ложусь спать поздно. Я знаю всех женщин Рима», — так писал он из Италии своему другу, американской писательнице Гертруде Стайн.
Во время гастролей Пикассо увлекся русской танцовщицей Ольгой Хохловой и уже предвкушал быструю победу.
Однако, симпатизируя темпераментному испанцу, балерина не принимала его знаки внимания. «Пабло, будь осторожен: она русская, а с русскими не шутят — на них женятся», — по-дружески предупреждал его Дягилев. Так и вышло: в 1918 году пара обвенчалась и поселилась в Париже.
Новая муза Пикассо предпочитала оставаться узнаваемой на портретах, поэтому художник на время вернулся к классической манере живописи. «Он снова меняет направление своего движения, возвращается по собственным следам, чтобы заново пройти тот же путь, но теперь более твердым шагом», — говорил Аполлинер о творчестве друга.
Женившись, Пикассо перебрался в респектабельный район, снял роскошную квартиру, обзавелся машиной и шофером. Ольга следила за гардеробом мужа, его внешним видом, и художник, который мог месяцами не менять костюм и не посещать парикмахерскую, чувствовал себя стесненным, лишенным привычной свободы. Милый его сердцу творческий беспорядок сохранялся лишь в мастерской, где Ольга не решилась установить свои правила. Зато на втором этаже их квартиры она устроила настоящий светский салон.
Дягилев настойчиво звал художника в Лондон — продолжить сотрудничество и заняться подготовкой балета «Треуголка», надеясь, что Пикассо не сможет отказаться хотя бы из «патриотических» соображений: сюжет постановки был основан на повести испанца Педро Аларкона, а музыку к ней написал Мануэль де Фалья, другой соотечественник Пабло. В отличие от «Парада», балет «Треуголка» стал самым популярным в репертуаре труппы. Костюмы, созданные Пикассо, вызвали восхищение и у критиков, и у публики, и у самих артистов. В честь художника устраивались приемы в самых фешенебельных домах английской столицы. Дягилев надеялся, что успех поможет Пабло расстаться с Парижем, но Пикассо, в юности мечтавший о туманном Альбионе, не решился надолго оставить дорогую его сердцу Францию. Тем не менее в начале 1920-х годов он принял участие еще в двух постановках Дягилева — балетах «Пульчинелла» и «Квадро фламенко».
В поисках вдохновения
В те времена Пикассо хорошо зарабатывал, его картины пользовались спросом. Летом он часто выезжал на Лазурный берег, где наслаждался покоем и много писал. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль. Однако жизнь в окружении роскоши не пришлась художнику по душе, а Ольга оказалась слишком ревнивой супругой и даже пыталась рассорить Пикассо с его богемными друзьями. Посягательство на личную свободу вызывало у Пабло прямой отпор, что отнюдь не способствовало миру в семье. Супруги часто ссорились. В 1925-1927 годы Пикассо переживал один из самых трудных своих творческих периодов — сюрреалистический. Он искал вдохновения в поездках по Средиземноморью и веселых вечеринках с друзьями, но в глубине души чувствовал себя одиноким. Отношения с Ольгой оставались напряженными: она мечтала о тихой семейной жизни, а Пабло перспектива стать добродетельным буржуа просто убивала. Художник погружался в глубины бессознательного — картины Пикассо тех лет полны негативной экспрессии, на них часто появляются монструозные женщины, существа, разорванные на части — настоящие кошмары наяву, а в тему любви проникают насилие, жестокость и агрессия.
В 1927 году Пикассо, которому исполнилось уже сорок шесть, неожиданно влюбился в восемнадцатилетнюю блондинку Мари-Терез Вальтер. Девушка не блистала умом, но ее голубые глаза и весь облик, олицетворяющий невинную юность, настолько очаровали Пабло, что он ушел от Ольги. (Правда, официально она оставалась его женой до самой своей смерти.) Мари-Терез подарила Пикассо долгожданное вдохновение — это ее он изобразил на знаменитых полотнах «Мечты», «Обнаженная, зеленые листья и бюст», «Девушка перед зеркалом».
В период с 1931 по 1934 год Пикассо всерьез увлекся скульптурой и создал серию женских бюстов — небольших фигур в сюрреалистической манере из дерева и гипса, которые позже отлил в бронзе. В эти же годы художник вплотную занялся гравюрой, иллюстрируя «Метаморфозы» Овидия. Удивительно, но Пикассо даже пробовал писать стихи — сумбурные, гнетущие, мрачные, но точно отражающие сущность его гения: «Я пробиваюсь и зажигаю, ласкаю и облизываю, целую и смотрю, звоню во все колокола, пока они не истекут кровью».
Мари-Терез, с которой Пикассо прожил десять лет, родила ему дочь Майю. Не признав девочку официально, Пабло тем не менее стал ее крестным отцом. После расставания с Мари-Терез он часто приезжал повидаться с Майей и всегда поддерживал бывшую возлюбленную материально. Подведя черту под очередным романом, неутомимый герой-любовник произнес: «Ничто не похоже так на пуделя, как другой пудель. То же самое можно сказать и о женщинах».
Герника. Оккупация. «Товарищ Пабло»
1935 году в жизни Пикассо появляется новая любовь двадцативосьмилетняя художница и фотограф Дора Маар.Пабло запечатлел ее на картинах «Женщина в зеленом», «Плачущая женщина» и многих других «неулыбчивых» портретах.
В 1937 году, после того как фашистская авиация с бессмысленной жестокостью разбомбила баскский город Гернику, потрясенный Пикассо создал одну из самых сильных своих картин — одноименное масштабное полотно размером 3,5 на7,8 метра. Написанная маслом в черно-белых тонах, картина-фреска «Герника» передает ужас страданий, насилия, смерти и хаоса. Поднявшись над конкретными обстоятельствами, побудившими художника взяться за кисть, она возвысилась до уровня символа, осуждая Зло во всех его проявлениях. Пикассо писал картину около месяца, трудясь по десять-двенадцать часов в день. Приступая к «Гернике», он попросил Дору фотографировать весь процесс его работы над полотном. Так, благодаря Доре Маар потомкам осталась уникальная фотохроника, запечатлевшая не только все стадии создания этой огромной композиции, но и самого художника в его мастерской на улице Гранд-Огюстен в Париже.
В оккупированной столице Франции Пикассо вел ту жизнь, к которой привык, — нацисты не смели помешать художнику с мировым именем, хотя и запретили ему выставлять свои работы. Он продолжал писать, и из-под его кисти выходили бесконечные бараньи черепа, искаженные женские тела и головы. К концу войны мастерская была переполнена десятками новых холстов.
В то время у мэтра появилась молоденькая ученица — художница Франсуаз Жило. Разница в их возрасте была настолько велика, что несмотря на весь сексуальный магнетизм, Пикассо удалось соблазнить Франсуаз лишь полгода спустя. Связь не осталась незамеченной, заставив Дору жестоко страдать. У нее начались истерические приступы, и вскоре Пикассо, устав от перепадов ее настроения, без сожаления отправил бывшую возлюбленную в психиатрическую клинику, после чего фактически вычеркнул из своей жизни. Умерла Дора Маар несколькими годами позже в ужасающей нищете, в окружении бесценных полотен Пикассо. Она так и не решилась продать хотя бы одно из них.
В 1944 году Пикассо вступил в коммунистическую партию Франции, но сделал это скорее в порыве симпатии к людям, окружавшим его в нелегкие времена оккупации, и к Советскому Союзу, разгромившему фашистскую армию, нежели в силу глубоких убеждений. Кстати, спустя десятилетие французские коммунисты осудят авангардизм товарища по партии, когда художник, откликнувшись на смерть Сталина, напишет его портрет в далеком от канонов соцреализма стиле.
В 1962 году стараниями Ильи Эренбурга Пикассо был выдвинут на присуждение Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами», от которой наотрез отказался, до крайности возмущенный разгромом советских художников-авангардистов, учиненным Никитой Хрущевым на выставке в Манеже. Позже мэтр все же дал себя уговорить, однако не изменил своему едкому чувству юмора: приняв из рук Эренбурга золотую нагрудную медаль премии, он прикрепил ее не к пиджаку, а к заднему карману брюк.
«Радость бытия»
Жизнь Пикассо после войны складывалась на редкость счастливо. Франсуаз родила ему дочь Палому и сына Клода. Художник переехал из суетного Парижа на юг Франции, где наслаждался природой, обществом родных и, конечно, много работал. Его картины перестали быть пугающе жестокими: он изображал мирные семейные сцены, резвящихся детей и любимую женщину, которая была моложе его на сорок лет. Пикассо с увлечением оформлял замок Гримальди, предоставленный ему городскими властями Антиба в качестве мастерской. Впоследствии первый зал этого будущего музея Пикассо украсит его картина «Радость бытия». А в 1949 году художник создал своего знаменитого «Голубя», ставшего символом мира для всех народов планеты.
Но, как уже бывало не раз, семейную идиллию разрушило непостоянство Пикассо. Склонность к изменам, стоившая рассудка, а порой и жизни его возлюбленным, явилась причиной разрыва и с Франсуаз. Забрав детей, она немедленно уехала прочь, и Пикассо не смог ее вернуть. К счастью, судьба их детей сложилась благополучно: Клод, как и отец, стал художником, а Палома — знаменитым модельером.
Пережить очередной разрыв помогла, как всегда, работа. А вскоре Пикассо встретил Жаклин Рок — свою последнюю любовь и вторую официальную жену. В тот год ему исполнилось семьдесят два, ей — всего двадцать семь. Муж был для Жаклин кумиром, она самоотверженно заботилась о его комфорте, ревностно оберегая от назойливых посетителей, в том числе от детей и внуков, которым теперь не слишком часто удавалось видеться с Пикассо. С этой женщиной он провел двадцать последних счастливых лет. «Если я живу с юной, это помогает мне оставаться юным», любил повторять Пабло.
Великий Пикассо скончался на руках у преданной Жаклин 8 апреля 1973 года, полгода не дожив до 92 лет. Похоронили художника рядом с его замком Вовенарг во французской провинции Прованс. Горькое предсмертное пророчество мастера: «Когда я умру, то, как тонущий корабль, увлеку за собой в пучину многих пассажиров», — мистическим образом сбылось. Через несколько дней после его смерти умер от отравления внук Паблито. Еще через два года не стало сына Поля — он сильно пил, переживая смерть отца и собственного сына. Спустя тринадцать лет, не выдержав одиночества, накануне большой мадридской выставки художника покончила с собой Жаклин Рок. В 1977 году в гараже собственного дома отравилась Мари-Терез Вальтер, а ее дочь Майя погибла в автокатастрофе вскоре после смерти матери.
Пабло Пикассо ушел, но миру остались картины и скульптуры художника, творившего как сама природа — не рассуждая, не выбирая, сгорая и восставая из пепла, обновляясь, изменяясь, но не изменяя себе — никогда.
